Avatar @Christina

@Christina

47 obserwujących. 47 obserwowanych.
Kanapowicz od 2 lat. Ostatnio tutaj około 12 godzin temu.
{} opera.ghosts
{} Napisz wiadomość
47 obserwujących.
47 obserwowanych.
Kanapowicz od 2 lat. Ostatnio tutaj około 12 godzin temu.
sobota, 27 marca 2021

Historia (angielskiego) teatru



Większość wczesnych teatrów w Anglii wyrosła z nabożeństw w X i XI wieku. Stały się popularną formą około 1350 roku, kiedy przywódcy religijni zachęcali do wystawiania cykli misteryjnych. Zostały one napisane i wykonane w języku zwykłych ludzi, a nie po łacinie, aby uczyć głównie niepiśmienne masy o chrześcijaństwie i Biblii. Każda sztuka była wystawiana na widowiskowych wagonach, które jeździły po ulicach i zatrzymywały się, aby grać w ustalonych wcześniej miejscach. Pod koniec średniowiecza w wielu miastach istniały specjalne przestrzenie przeznaczone dla teatru publicznego.

William Poel jako Adonai w 'Everyman', XV-wieczna sztuka 1901, Anglia



Powstanie świeckiego dramatu

Po reformacji w XVI wieku - ruchu, który sprzeciwiał się autorytetowi Kościoła rzymskokatolickiego - stłumiono wszelkie dramaty religijne w Anglii. Wydawano licencje dla zespołów teatralnych na publiczne próby i występy, pod warunkiem uzyskania aprobaty i mecenatu szlachcica.

Pierwszy teatr teatralny w Wielkiej Brytanii „The Theatre” został zbudowany w Finsbury Fields w Londynie w 1576 roku. Został zbudowany przez Leicester's Men - spółkę aktorską utworzoną w 1559 roku z członków rodziny hrabiego Leicester. W ciągu następnych 16 lat powstało 17 nowych publicznych teatrów plenerowych. Większość tych teatrów była okrągła i otaczała otwarty dziedziniec, na którym publiczność stała po trzech stronach sceny. Rozkwitały nowe spółki, a pisarze mieli co roku produkować kilka nowych sztuk, aby zaspokoić popyt. Spółki zyskały sławę dzięki tytułowi domu patrona. Dwie najbardziej znane kompanie i zaciekli rywale to ludzie Admirała i ludzie Lorda Szambelana.


Grafika przedstawiająca Globe Theatre, z oryginalnego obrazu grawerowanego przez Hollara Wenceslausa, 1647.


William Shakespeare (1564 – 1616)

William Shakespeare, urodzony w 1564 r., jest najsłynniejszym angielskim dramaturgiem. Napisał 38 sztuk i liczne sonety. Nie tylko rozległość jego twórczości sprawia, że jest największym brytyjskim dramaturgiem, ale piękno i pomysłowość języka oraz uniwersalność jego twórczości. W 1594 roku Shakespeare dołączył do grupy Lorda Chamberlaina jako aktor i ich główny dramaturg. Pisał średnio dwie nowe sztuki rocznie dla spółki. Jego najwcześniejsze sztuki to Komedia omyłek (po raz pierwszy wystawiona w 1594), a jego pierwszym opublikowanym dziełem był wiersz Wenus i Adonis (1593). Shakespeare napisał wiele swoich najsłynniejszych sztuk dla teatru Globe, który został wzniesiony w 1599 roku przez ludzi Lorda Chamberlaina. Po wygaśnięciu dzierżawy gruntu pod teatrem The Theatre kompania zdecydowała się rozebrać budynek o konstrukcji drewnianej i odbudować go na południowym brzegu Tamizy, zmieniając jego nazwę na The Globe.

Maska dworska

Masque (maska) była formą świątecznej rozrywki dworskiej, która rozkwitła w XVI i na początku XVII wieku w Europie. Angielski architekt i projektant, Inigo Jones (1573-1652), współpracował z dramaturgiem i poetą Benem Jonsonem (1572-1637), aby stworzyć serię wyszukanych masek zarówno dla Jakuba I (panował 1603 - 25), jak i Karola I (panował 1625 - 49). Jedna produkcja, Maska Oberona (1611), kosztowała ponad 2000 funtów, a same kostiumy kosztowały ponad 1000 funtów. Inigo Jonesowi przypisuje się wprowadzenie do brytyjskiego teatru łuku proscenium - przestrzeni, która otaczała aktorów na scenie - i ruchomej scenerii ułożonej w perspektywie. Zainspirowana maszynerią sceniczną, którą widział podczas podróży po Francji i Włoszech, sceneria Jonesa wykorzystywała serię okiennic, które wsuwały się i wysuwały za pomocą rowków w podłodze. Wprowadził kolorowe oświetlenie, umieszczając świece za przyciemnianym szkłem.



Projekt kostiumu, Inigo Jones, 1613

Zamknięcie teatrów

W 1642 r. w Anglii wybuchła wojna domowa między zwolennikami króla Karola I i parlamentarzystami pod wodzą Olivera Cromwella. Teatry były zamykane, aby zapobiec zakłóceniom porządku publicznego i pozostawały zamknięte przez 18 lat, powodując znaczne trudności dla zawodowych artystów teatralnych, menedżerów i pisarzy. Nielegalne przedstawienia były sporadyczne, a wiele teatrów publicznych zostało zburzonych. W 1656 roku poecie i dramaturgowi Williamowi Davenantowi udało się stworzyć w swoim domu śpiewaną wersję sztuki Oblężenie Rodos. Powszechnie uważa się, że jest to pierwsza opera angielska. Po przywróceniu Karola II na tron w 1660 r. Davenant i dramaturg Thomas Killigrew otrzymali patenty królewskie, które dały im praktycznie monopol na przedstawianie dramatu w Londynie. Te monopole zostały cofnięte dopiero w XIX wieku.

Restauracja dramatu

Wprowadzenie scenerii i skomplikowanej maszynerii scenicznej na angielską scenę publiczną w latach sześćdziesiątych XVII wieku dało początek przebojowym semi-operom. Wiele z nich było adaptacjami innych sztuk, często Shakespeare'a. Miały epizody muzyki, śpiewu, tańca i efektów specjalnych. Najwspanialszym teatrem w tym czasie, który obejmował jeden z pierwszych łuków proscenium, był The Duke's Theatre w Dorset Gardens. Zaplanowany przez Williama Davenanta i zaprojektowany przez Christophera Wrena (architekta katedry św. Pawła) kosztował 9 000 funtów. Stał nad Tamizą, a od rzeki prowadziły schody dla klientów przybywających łodzią.


Po raz pierwszy kobiety zostały uznane za profesjonalne aktorki i dramatopisarki. Najsłynniejszym dramaturgiem była Aphra Behn (1640 - 89), która wcześniej była zatrudniona jako szpieg Karola II i spędziła krótki czas w więzieniu dla dłużników. Grupa pisarek znanych jako „The Female Wits” wyprodukowała wiele dzieł na scenę. Byli wśród nich Mary Pix (1666 - 1709), Catherine Trotter (1679 - 1749) i płodna Susanna Centlivre (około 1670 - 1723), która napisała 19 sztuk, w tym satyryczną A Bold Stroke for a Wife, wystawioną po raz pierwszy w 1718 roku.


Za pierwszą kobietę, która pojawiła się na profesjonalnej scenie w Anglii, powszechnie uważa się Margaret Hughes (1645-1719), która wystąpiła w przedstawieniu Otello w Vere Street Theatre w Londynie w 1660 roku. Inne znane aktorki w tym czasie to Elizabeth Barry (1658 - 1713), znana również jako „królowa tragedii”, i Nell Gwyn (1650 - 87), która podobno została namalowana nago dla Karola II i urodziła mu dwoje dzieci.




XVIII - wieczny Teatr

XVIII wiek był świadkiem rozkwitu teatru jako popularnej rozrywki, wiele teatrów zostało powiększonych, a nowe teatry zbudowano w Londynie i w całym kraju. Jednym z najbardziej udanych spektakli na londyńskiej scenie początku XVIII wieku była balladowa opera Johna Gay'a The Beggar's Opera. Gay przerobił popularne piosenki i napisał nowe, humorystyczne i satyryczne teksty.


Sztuki Shakespeare'a stały się coraz bardziej popularne w XVIII wieku, ale zostały przerobione, aby pasowały do gustów dnia. Jego styl nadal wydawał się zbyt nieobliczalny, a poeci, tacy jak Alexander Pope, starannie uporządkowali nierówne wersety. Zakończenie Shakespeare'a w sztuce Król Lear zostało uznane za zbyt przygnębiające, a poprawiona wersja Nahuma Tate'a (w której Cordelia i król przeżyli) była preferowana od oryginału. David Garrick przepisał koniec Romea i Julii, aby kochankowie rozmawiali ze sobą przed śmiercią w grobowcu i zamienił Poskromienie złośnicy w farsę.



David Garrick

Garrick był jednym z największych brytyjskich aktorów i pierwszym, którego nazwano gwiazdą. Od 1741 roku aż do przejścia na emeryturę w 1776 roku był odnoszącym sukcesy aktorem, producentem i kierownikiem teatru. Napisał ponad 20 sztuk i adaptował wiele innych, w tym sztuki Shakespeare'a. W 1742 roku Theatre Royal zatrudnił go Drury Lane i rozpoczął triumfalną karierę, która trwała ponad 30 lat.


Garrick zmienił cały styl gry aktorskiej. Odrzucił modę na deklamację, w której aktorzy przybierali pozę i formalnie wypowiadali swoje kwestie, a zamiast tego wolał prostszy, bardziej naturalny sposób mówienia i poruszania się. Efektem był bardziej subtelny, mniej zmanierowany styl gry i krok w stronę realizmu.


Cenzura sceniczna

Ogromny wpływ na rozwój teatru w Wielkiej Brytanii miała ustawa Licensing Act z 1737 roku. Ograniczyła produkcję sztuk do opatentowanych dwóch teatrów w Drury Lane i Covent Garden w Londynie i zaostrzyła cenzurę dramatu, stwierdzając, że Lord Chamberlain wraz ze swoimi Egzaminatorami sztuk musi zweryfikować każdy scenariusz, zanim zezwoli się na przedstawienie. Ustawę wprowadził ówczesny premier Robert Walpole (1676 - 1745), który obawiał się, że satyra polityczna na scenie podważa jego i władzę. Produkcja The Golden Rump, farsowej sztuki nieznanego autorstwa, była głównym powodem, dla którego Walpole forsował argumenty za zakazem obscenicznych dramatów na arenie publicznej. Sztuka skandalicznie sugerowała, że królowa podaje królowi lewatywy. Henry Fielding, autor wielu udanych satyr, i inni podejrzewali, że w rzeczywistości ta sztuka została zaprojektowana przez samego Walpole'a.




Wczesny dramat wiktoriański

Aby obejść ograniczenia wynikające z ustawy Licensing Act z 1737 r., Niechronione patentem teatry przeplatały dramatyczne sceny z muzycznymi przerywnikami. Melodramat i burleska, z ich krótkimi scenkami i akompaniamentem muzycznym, stały się wówczas niezwykle popularne. Ostatecznie ogromny wzrost popytu na rozrywkę teatralną na początku XIX wieku sprawił, że system teatrów patentowych stał się niewykonalny. W całym Londynie powstały teatry, a granice między tym, co było dozwolone w teatrach patentowych (legalny dramat), a tym, co było prezentowane w innych teatrach (teatr nielegalny), zatarły się. W 1843 roku ustawa licencyjna została zniesiona, umożliwiając innym teatrom prezentację dramatu, chociaż cenzura sztuk Lorda Chamberlaina obowiązywała do 1968 roku.

Zamieszki związane ze starymi cenami

Po spaleniu teatru Covent Garden w 1808 r. Zarząd postanowił podnieść ceny na pokrycie kosztów odbudowy. Aby zwiększyć przychody, zarząd ponownie skonfigurował górną galerię, aby zmieścić więcej miejsc za jednego szylinga, tworząc coś, co wściekli klienci określali jako „gołębniki”. Cena za miejsce w loży została podniesiona z trzech i sześciu pensów do czterech szylingów, a wejście do lóż publicznych wzrosło z sześciu do siedmiu szylingów. Cały poziom loż stał się „prywatny” i mógł być wynajmowany tylko na cały sezon. Publiczność była wściekła i skierowała swój gniew na dyrektora teatru, aktora Johna Philipa Kemble'a. 18 września 1809 roku Kemble wszedł na scenę w kostiumie Makbeta, by powitać publiczność pierwszego przedstawienia w nowym teatrze i spotkał się z falą krzyków, syczenia i pohukiwań, które trwały przez cały spektakl. Chociaż wezwano sędziów i aresztowano niektórych demonstrantów, zamieszki skończyły się dopiero o drugiej w nocy. To był początek tak zwanych zamieszek Old Price (lub O.P.). Przez następne dziesięć tygodni każdy występ w Covent Garden był zakłócany. Głównym celem protestujących było zmuszenie kierownictwa do przywrócenia starego systemu ustalania cen. Do grudnia 1809 r. koszty obsługi prawnej, pensje dla ochroniarzy i darmowe wejściówki dla sojuszników, którym płacono za intonowanie „N.P.” („Nowe ceny”) oznaczały, że teatr tracił 300 funtów za noc. Kemble przyjął żądania uczestników zamieszek i publicznie przeprosił ze sceny.



Rodzina Kemble

Na przełomie XIX i XX wieku rodzina Kemble zdominowała scenę londyńską. Aktor John Philip Kemble (1757 - 1823) był uważany za najlepszego aktora w Anglii, a jego siostra, Sarah Siddons (1755 - 1831), była uważana za jedną z największych tragików wszech czasów. W swoim pierwszym sezonie zagrała 80 razy w siedmiu różnych rolach, wywołując omdlenia i histerię wśród widzów. John Philip Kemble zadebiutował na londyńskiej scenie w 1783 roku jako Hamlet. Jego styl gry był statyczny i deklamacyjny, z długimi, zamaszystymi liniami i rozmachem.

Edmund Kean

Popularny aktor Edmund Kean (1787-1833) zastąpił Kemble'a ulubieńca londyńskiej sceny po debiucie na Drury Lane jako Shylock w Kupcu Weneckim w 1814 roku. Kean był jednym z nielicznych aktorów, którzy byli w stanie zapełnić ogromny teatr Drury Lane z liczbą 3000 miejsc. Jego naturalna pasja i ognisty duch pasowały do melodramatycznego stylu gry. Mówiono, że najlepiej radził sobie w scenach śmierci i takich, które wymagały intensywności uczuć lub gwałtownych przejść z jednego nastroju do drugiego.




Melodramat

Melodramat stał się popularny od lat 80-tych XVIII wieku i trwał do początku XX wieku. Pierwszym dramatem w Wielkiej Brytanii, który został nazwany melodramatem, był A Tale of Mystery Thomasa Holcrofta (1802). Melodramat składał się z krótkich scen przeplatanych akompaniamentem muzycznym i charakteryzował się prostymi opowieściami moralnymi ze stereotypowymi postaciami - zawsze był łotr, pokrzywdzona dziewczyna i bohater działający w przesadnym stylu.

Pictorial drama

Od połowy XIX wieku teatr zaczął nabierać nowego szacunku i przyciągać publiczność z klasy średniej. Byli zafascynowani historyczną dokładnością i dbałością o szczegóły, które miały coraz większy wpływ na scenografię. Pictorial drama Dramat obrazkowy kładł duży nacisk na kostiumy i odzwierciedlał modne zainteresowanie archeologią i historią. Nieuniknione długie i skomplikowane zmiany sceniczne spowodowały, że sztuki, zwłaszcza te Shakespeare'a, musiały zostać wycięte. Jednym z głównych przedstawicieli Pictorial drama był Charles Kean (1811 - 68), syn Edmunda Kean'a. Charles Kean był znany ze swoich żmudnych badań nad historycznymi strojami i scenerią do swoich produkcji w Princess Theatre na londyńskiej Oxford Street w latach pięćdziesiątych XIX wieku.

Aktorzy-menedżerowie

W XIX-wiecznym teatrze dominowali aktorzy-menadżerowie, którzy prowadzili teatry i grali główne role w przedstawieniach. Henry Irving (1838 - 1905), Charles Kean i Beerbohm Tree (1852 - 1917) stworzyli produkcje, w których byli gwiazdami. Henry Irving dominował na londyńskiej scenie przez ponad 25 lat i był uwielbiany przez swoich widzów. Kiedy zmarł, król Edward VII i prezydent Stanów Zjednoczonych przesłali kondolencje. Shakespeare był najpopularniejszym pisarzem dla tych menedżerów-aktorów. Modne stało się nadawanie jego sztukom szczegółowych i historycznie realistycznych scenografii i kostiumów. Spektakl sceniczny był często ważniejszy niż sama sztuka, a teksty były przycinane, aby dać czas na zmianę masywnych scenografii i maksymalne wyeksponowanie roli głównej. Pierwszą aktorką-menadżerką w Londynie była Eliza Vestris (1797 - 1856), piosenkarka i tancerka, która od 1830 r. kierowała także Olympic Theatre. Tam zaprezentowała program Burleski, w wielu z nich wystąpiła. Inne kobiety menadżerki w XIX wieku to Madge Kendal (1848 - 1935) i Sarah Lane (około 1822 - 99) w Brittania Theatre w Hoxton.

Ellen Terry

Największą angielską aktorką przełomu XIX i XX wieku była Ellen Terry (1847 - 1928). W latach 1878- 90 dołączyła do legendarnego menedżera - aktora Henry'ego Irvinga w Lyceum Theatre jako jego główna dama i przez ponad dwie dekady była uważana za czołową aktorkę szekspirowską i komiczną w Wielkiej Brytanii. Dwie z jej najsłynniejszych ról to Portia w Kupcu weneckim (1875) i Beatrice w Wiele hałasu o nic (1882). W 1903 Terry przejęła kierownictwo londyńskiego Imperial Theatre, gdzie skupiła się na sztukach Bernarda Shawa i Henrika Ibsena. Jednak niepowodzenie finansowe sprawiło, że po latach wróciła do aktorstwa.




XIX-wieczny spektakl

Wyrafinowana technologia i maszyneria sceny późnego XIX wieku stworzyła serię dramatów „sensacyjnych”, w których główną atrakcją stały się efekty specjalne. Malarze scen, współpracując z doświadczonymi technikami, tworzyli realistyczne reprodukcje świata przyrody. Używając lin, płaskowników, mostów, bieżni, mogli wyprodukować wszystko, od wyścigu rydwanów po katastrofę kolejową. Jednym z największych projektantów scen „sensacyjnych” był Bruce „Sensation” Smith. Pracował w Drury Lane Theatre, który stał się uznaną ojczyzną tego dramatu po wprowadzeniu w teatrze hydraulicznych maszyn scenicznych w 1894 roku.



Cup and saucer drama

Dramaturg Tom William Robertson (1829 - 71) wprowadził nowy rodzaj sztuki na XIX-wieczną scenę teatralną. Jego pionierskie „sztuki problemowe” dotyczyły poważnych i drażliwych problemów dnia. Twórczość Robertsona była uważana za tak rewolucyjną stylowo i tematycznie, że żadne uznane kierownictwo nie wyprodukowało jego sztuk. Ludzie rozmawiali normalnym językiem i radzili sobie ze „zwykłymi” sytuacjami, a wykonawcy nie „grali”, ale „zachowywali się” jak ich publiczność - mówili, nie deklamowali.



Nowy dramat na początku XX wieku

Na przełomie XIX i XX wieku wyłoniły się dwa dominujące w teatrze nurty: dramatyzacja współczesnych, moralnych i społecznych problemów oraz zainteresowanie prostszą i bardziej abstrakcyjną inscenizacją sztuk teatralnych. Innowacyjne prace z zagranicy, zwłaszcza dramatopisarze, tacy jak Henrik Ibsen i Anton Czechow, również miały wpływ na kształt tego nowego dramatu.

Teatr polityczny

Zarządzanie dworem królewskim Harleya Granville-Barkera w latach 1903–1907 przyniosło spopularyzowanie twórczości George'a Bernarda Shawa. Bernard Shaw był jednym z najbardziej utytułowanych pisarzy początku XX wieku i otwartym członkiem Towarzystwa Fabiańskiego, organizacji zaangażowanej w reformy społeczne i przez wielu uważanej wówczas za wywrotową. Zakwestionował moralność swojej burżuazyjnej publiczności swoimi satyrycznymi i często humorystycznymi tekstami, które zawierały niewygodne tematy, takie jak religia i prostytucja. Wiele jego sztuk zostało ocenzurowanych przez Lorda Chamberlaina, w tym Mrs. Warren's Profession (1893, pierwszy publiczny pokaz w Anglii, 1925), która skupiała się na byłej prostytutce i jej próbie pogodzenia się z dezaprobatą córki.



W całym kraju powstały grupy teatralne, których celem było promowanie sprawy socjalistycznej i Partii Pracy. W latach 1926–1935 sprzymierzony z komunistami Robotniczy Ruch Teatralny (WTM) wykorzystywał teatr do agitowania na rzecz zmian społecznych. WTM opracował styl „agit-prop”, w którym piosenki i szkice pojawiły się na ulicach, próbując wywołać zmiany. Unity Theatre wyrósł z WTM. wyrósł z WTM. Jego celem było „wspieranie i popieranie sztuki dramatu zgodnie z zasadą, że prawdziwa sztuka, skutecznie przedstawiając i zgodnie z prawdą interpretując życie, jakiego doświadcza większość ludzi, może skłonić ludzi do pracy na rzecz dobra społeczeństwa”. Unity zapoczątkował nowe formy teatru, prezentując widzom merytoryczne informacje o bieżących wydarzeniach, a także satyryczne pantomimy, które rzuciły wyzwanie cenzurze lorda Chamberlaina. Inne wpływowe firmy polityczne poświęcając się usuwaniu burżuazyjnych cech teatru, chciały stworzyć teatr bardziej fizyczny, który odzwierciedlałby wiek maszyn. Popularne sztuki to Ernst Toller's Masses and Men (1923) i The Machine Wreckers (1922) oraz futurystyczny koszmar Karela Capeka RUR (1920), w którym maszyny i roboty zastępują klasę robotniczą. Założona w 1908 roku Actresses' Franchise League wspierała ruch na rzecz praw wyborczych, organizując wydarzenia i odczyty. Do 1914 roku liczyła 900 członków, i miała grupy we wszystkich większych miastach Wielkiej Brytanii. Występowała m.in. w How the Vote Was Won Cecily Hamilton i Christophera St Johna (1909), a także w najsłynniejszym dziele Hamilton, Diana of Dobson's (1908). Firma Pioneer Players została założona przez Edith Craig, córkę Ellen Terry, znanej angielskiej aktorki przełomu XIX i XX wieku. Spółka miała na celu przedstawienie spektakli „zainteresowań i idei”, w szczególności tych, które dotyczyły aktualnych kwestii społecznych, politycznych i moralnych, w tym prawa wyborczego. The Pioneer Players występowała w Little Theatre, który działał jako teatr klubowy, aby uniknąć cenzury Lorda Chamberlaina. Produkcje obejmowały In the Workhouse Margaret Wynn Nevinson (1911) i The First Actress Christophera St Johna (1911).



Ruch repertuarowy

Repertuarowy ruch teatralny powstał z pasji i przekonania Barry'ego Jacksona i Annie Horniman, którzy wierzyli, że szeroka gama doświadczeń teatralnych powinna być dostępna dla ludzi za cenę, na jaką mogą sobie pozwolić. Horniman uważał, że dotując teatry można zarówno podnieść poziom spektakli, jak i poszerzyć program, jaki teatr może zaoferować swojej społeczności. Horniman była córką zamożnego handlarza herbatą bez rodzinnych powiązań z teatrem, ale dostrzegała kulturową wartość dotowanych przez państwo firm repertuarowych w Niemczech. W 1903 roku Horniman przeznaczył pieniądze na otwarcie Abbey Theatre w Dublinie i Gaiety Theatre w Manchesterze w 1907 roku. W ciągu zaledwie dziesięciu lat wyprodukowali ponad 200 przedstawień w Gaiety, ale zostali zmuszeni do zamknięcia w 1917 roku z powodu trudności finansowych. Birmingham Repertory Theatre otwarto 15 lutego 1913 r. Przedstawieniem Wieczór Trzech Króli Shakespeare'a . Jego założyciel Barry Jackson, podobnie jak Horniman, był zwolennikiem potrzeby zaoferowania mieszkańcom Birmingham szerokiego wachlarza doświadczeń teatralnych i osobiście dofinansował budowę Rep Theatre jako bazy dla swojej spółki.

Club Theatres na początku XX wieku

W 1899 roku założono Towarzystwo Sceniczne, którego celem było wspieranie idei teatru. Sfrustrowany konserwatywnym charakterem bardziej komercyjnych teatrów, przedstawiał prywatne niedzielne spektakle eksperymentalnych sztuk, które nie uzyskały licencji Lorda Chamberlaina. Po nalocie policji na ich pierwszą produkcję (Bernard Shaw You Never Can Tell) argumentowano, że ponieważ były to występy prywatne, ograniczenia Lorda Chamberlaina dotyczące niedzielnych przedstawień i sztuk licencjonowanych nie miały zastosowania. The Stage Society wygrało sprawę, inne „klubowe” teatry zostały otwarte, a członkowie płacili niewielki abonament zamiast opłaty za wstęp. Te teatry stały się domem nielicencjonowanych, eksperymentalnych i kontrowersyjnych spektakli - sytuacja ta trwała do 1968 roku, kiedy to ostatecznie zniesiono cenzurę. The Arts Theatre został otwarty jako teatr klubowy w 1927 roku i szybko zyskał reputację innowacyjnej i ekscytującej pracy. Wystawiano tam sztuki francuskich i niemieckich pisarzy, takich jak Racine i Goethe, a także nowe teksty brytyjskich dramatopisarzy. Aktorzy tacy jak John Gielgud i Sybil Thorndike pracowali w Arts Theatre, nawet gdy byli dobrze znani na West Endzie - było to ich zaangażowanie w prezentowanie bardziej eksperymentalnych prac.


Międzywojenny Teatr West Endu

Teatr West Endu w okresie międzywojennym był dziwną mieszanką. W przeważającej części teatry zubożały w wyniku kryzysu i zachowywały konserwatywność zarówno pod względem merytorycznym, jak i inscenizacyjnym. Na scenie dominowały sztuki George'a Bernarda Shawa, Somerseta Maughama, Terence'a Rattigana, Noëla Cowarda i J. B. Priestleya. Podczas gdy Priestley i Shaw mieli silny lewicowy program, sztuki były zasadniczo konserwatywne w formie. Sztuki Shakespeare'a praktycznie zniknęły z West Endu. Jego domem był teraz Old Vic Theatre i regionalne teatry repertuarowe, które eksperymentowały ze współczesnymi produkcjami kostiumowymi. To John Gielgud przywiózł Shakespeare'a z powrotem na West End w 1935 roku swoimi przedstawieniami Romea i Julii, Ryszarda III i Kupca weneckiego. Komercyjny teatr prosperował, a przy Drury Lane wielko budżetowe musicale Ivora Novello i Noëla Cowarda wykorzystywały ogromne dekoracje, ekstrawaganckie kostiumy i duże obsady do tworzenia spektakularnych przedstawień. Coward's Cavalcade (pierwsza produkcja w 1931 roku) była epicką sztuką, która prześledziła historię wczesnych lat XX wieku przez pryzmat życie jednej rodziny. Coward pozostał jednym z popularnych pisarzy tego okresu dzięki komediom takim jak The Vortex (1924), Fallen Angels (1925) i Present Laughter (1942). Druga wojna światowa przyniosła wzrost zainteresowania sztuką, a wielu cywilów i wojskowych po raz pierwszy doświadczyło dramatu, opery i baletu. Zainteresowanie to doprowadziło do powołania przez rząd w 1946 roku Rady Sztuki z coroczną dotacją na dystrybucję sztuki. Stypendium zapewniło przetrwanie takim zespołom, jak Sadler's Wells Ballet and Opera, powstanie Royal Opera, Royal Shakespeare Company i National Theatre, a także wspieranie teatru w regionach oraz twórczości poszczególnych artystów i zespołów. Do 1956 r. Rada Sztuki dotowała 40 firm w całym kraju, a między 1958 a 1970 rokiem za publiczne pieniądze zbudowano 15 nowych teatrów.

Powojenny teatr na West Endzie

Po zakończeniu drugiej wojny światowej West End został zdominowany przez sektor handlowy. Popularność zyskały farsy i „who-dunnits”, z których najbardziej znana to Pułapka na myszy, adaptacja powieści Agathy Christie, która została otwarta w 1952 roku i trwa do dziś. Wspaniałe produkcje lat 50. XX wieku, produkowane przez Binkie Beaumont i H M Tennent, szybko stały się nieopłacalne ekonomicznie. Aktorzy przenieśli się do telewizji, aby zarobić więcej pieniędzy, a produkcje West Endu skurczyły się. W tym okresie nastąpiła również eksplozja nowego pisarstwa, „Look Back in Anger” Johna Osborne'a (1956) uznano za przełomową. Małe sale nadal promowały i wspierały nowe pisarstwo, gdy do głównych teatrów trafiały kolejne eksperymentalne produkcje, w tym Royal Court George'a Devine'a. Fraza „In-yer-face theatre” (Nowy brutalizm) została zastosowana wśród wielu młodych pisarzy, których wyprodukował Royal Court w latach 90-tych. Ten agresywny i konfrontacyjny styl został zaprojektowany, aby zaatakować wrażliwość publiczności. Zbadał bolesne skrajności ludzkiej kondycji i wepchnął w gardło ekscesy współczesnego społeczeństwa.
#teatr#historia#anglia#west_end#szekspir#sztuka
{}× 12
Komentarze
@Mackowy
@Mackowy · 7 miesięcy temu
Nie sądziłem, że kiedykolwiek przeczytam z własnej woli coś o angielskim teatrze - dzięki :-)
{}× 4
@Christina
@Christina · 7 miesięcy temu
Ja też nie, po prostu wczoraj był 27 marca - Cały świat świętował Dzień Teatru. Myślałam, że kanapa coś wrzuci, ale się nie doczekałam :)

{}× 2
@Mackowy
@Mackowy · 7 miesięcy temu
Nawet nie wiedziałem, że teatr ma swój dzień ;/ Zaciekawiła mnie kwestia unowocześniania dzieł Szekspira, bo zawsze myślałem, że te "starocie" tak mniej więcej do XIX wieku były tak samo popularne w niezmienionej formie.
{}
@MAD_ABOUT_YOU
@MAD_ABOUT_YOU · 7 miesięcy temu
@Christina musisz do nich pisać w takich sprawach.
W zeszłym roku zapytałam czy mogą wrzucić artykuł o nagrodach IBBY. Zapytali czy napiszę, a oni chętnie umieszczą. I tak się zaczęło moje pisanie i publikowanie nakanapie. Choć nie pod tym nickiem.
{}× 3
@Christina
@Christina · 7 miesięcy temu
@Mackowy Ja też nie. Dowiedziałam się o tym w zeszłym roku (przez przypadek). Też tak myślałam, ale widocznie zawsze znajdą się ludzie, którzy wiedzą lepiej od autora.
{}
@Christina
@Christina · 7 miesięcy temu
@MAD_ABOUT_YOU Myślałam, że o tym wiedzą i mają całą listę teatralnych książek których nie znam. Mam nadzieję, że kiedyś pojawi się kanapowy kalendarz literacko - kulturalny i załatwi sprawę :)
{}
@Wiesia
@Wiesia · 7 miesięcy temu
Wow, ileż informacji!
Ja najdłużej zatrzymałam się przy fotografiach kostiumów, piękne.
{}× 3
@MAD_ABOUT_YOU
@MAD_ABOUT_YOU · 7 miesięcy temu
Nell Gwyn (1650 - 87), która podobno została namalowana nago dla Karola II i urodziła mu dwoje dzieci.
Nie podobno tylko prawda. Mieli dwóch synów. Ich związek trwał prawie dwadzieścia lat, a Nell pozostała mu wierna nawet po jego śmierci. Do jednego z zalotników miała powiedzieć : „nie dam psu lec tam, gdzie kładł się jeleń”.
Jest nawet akt Nell jako kupidyna, możliwe że to ten obraz otrzymał król.
{}× 2
@jatymyoni
@jatymyoni · 7 miesięcy temu
Dzięki Tobie znowu coś ciekawego się dowiedziałam.
{}× 2

Archiwum

{}

2020

  • O nas
  • Kontakt
  • Pomoc
  • Polityka prywatności
  • Regulamin
  • © 2021 nakanapie.pl
    Zrobione z {} na Pradze Południe